ENTREVISTA
PAULA DURÓ - PINTORA
PAULA DURÓ - PINTORA

por Kevin Vaughn

Hace meses sin darme cuenta me he quedado enamorando con los cuadros de Paula Duró. Cuando se entra a la cocina en la oficina de WUBA, la primera cosa que se nota es un enorme cuadro de “Kilometro Cero”, lo que también sirve como la tapa de “Rio Arriba” de Chancha vía Circuito. Siempre pongo mi notebook en frente del cuadro, el acto no es consciente, y me engancha en el mundo imaginario que se crea.

La pintura no define el tiempo ni el espacio, el cielo es más negro de la medianoche pero el niño y el paisaje que se lo rodea están iluminados por una luz más parecida al de mediodía. El niño es un tipo ambiguo, su edad no se puede distinguir, su pelo negro está cortado de tazón que se lo identifica como un chico de un lugar distante, seguramente del Norte de los Andes, no solo por su aspecto pero también por la quena que toca. Esta rodeado por un paisaje mágico. Hay una montaña triangular en el fondo que centra el cuadro, es un fuerte azul y cubierto de nieve. Los altos arboles y verdes arbustos silvestres contienen el joven. Esta sentado cómodamente en unas rocas en medio de una laguna de color turquesa translucido. Las rocas son mas como una extensión de su propio cuerpo, como que están perfectamente dispuestos para que se siente él. Toca una flauta de madera, la quena, sus mejillas están coloradas y redondas. Desde al final de su instrumento dispara un arco iris hacia arriba, como un arroyo al revés, su música es tan potente que ni siquiera el cuadro puede controlarla.

Tengo otro flyer de Duró pegado en la puerta del baño en mi departamento del mixtape de Chancha que se llama “Al Pastor”. Lo veo cada mañana. El flyer tiene la mitad superior de un niño, esta flotando en el espacio exterior. Tiene puesto un gorro de colores brillantes y cuernos que me hace flashar “Donde viven los monstruos” de golpe. El niño (también de algunas etnias del norte andino) está tocando una zampoña, un instrumento de viento compuesto por una serie de cañas vaciadas atadas en una línea.

Es esta mezcla de la música, el folclore y la cultura andina juntos con colores muy fluorescentes y sus paisajes mágicos que sólo se existen en el fondo de la imaginación, que le hace desear  al espectador a escaparse por un momento del quilombo metropolitana lo que nuestra querida Buenos Aires y meterse de cabeza en el mundo espectacular de Duró.

 

¿Me podes contar un poco sobre el colectivo “no definitivo”? ¿Cómo conociste a ellos?

Nos conocimos en la época en que empezábamos a estudiar en el IUNA, la universidad pública de Arte de Bs.As. La idea era hacer una página Web dónde el hilo conductor es la amistad y la cooperación. Esa amistad y cooperación creció y hoy es transandina ya que muchos de los integrantes son chilenos, artistas increíbles y amigos que nos hicimos en algunos viajes hacia Santiago de Chile.

¿Qué crees sobre la importancia de colectivos en la evolución de arte emergente en Buenos Aires? ¿Por qué cree que el arte colectivo se ha convertido en un fenómeno en Buenos Aires?

Creo que la importancia del saber y el hacer colectivo es aplicable a cualquier ámbito de las relaciones humanas, poner en práctica esto fortalece los lazos y las nociones de comunidad. Acá en Latinoamérica es de vital importancia mantenerse unidos ya que los recursos no siempre sobran pero si hay muchas ganas, entonces cada uno aporta su conocimiento y lo que eran deseos, ideas sueltas puede materializarse y compartirse.

¿Pensas que tu participación en el colectivo influencia tu arte? ¿Cómo? ¿Crees que tu trabajo sería diferente si no estaba involucrado en un colectivo?

Por ejemplo en esto momento, a uno y otro lado de la montaña estamos todos fascinados con la noche, las estrellas y creo que tal vez excede a nuestro deseo, hay algo que quiere manifestarse y nosotros somos el canal para eso.

Has hecho trabajo con ZZK, ¿cómo conoces a ellos? ¿Es tu trabajo para ellos inspirado en la música, como la tapa que hiciste para el disco de Chancha por ejemplo?

A los chicos de ZZK los conozco de hace algunos años de cruzarlos en fiestas y muestras de arte. Con Grant nos volvimos a cruzar casualmente en un viaje en el que coincidimos en Chile. Me siento muy cercana a la música ya que mi papá era pintor y músico, sobre todo percusionista entonces es algo con lo que estoy familiarizada desde la panza…Lo que paso con la tapa para el disco de Chancha Vía Circuito fue que lo invité a pasar música en una de mis muestras y le encanto una de las pinturas que mostré, esa fue la que usamos para la tapa, pero es una reversión de la original hecha con pequeñas piezas de cartón.

Me llamó la atención que una chica metropolitana de Buenos Aires tiene temas tan fuertes como el  folklore– como en ´del gusano más allá´, ´kilometro´, o ´semilla amarilla´, ¿Cómo llegaste a interesarte en la música folclórica? ¿Cómo elegís a las personas que pintas?

Bueno, en realidad no tan metropolitana, yo vivo a casi dos horas de Capital Federal, y de hecho por mí barrio sigue pasando el famoso botellerooooooooooo a caballo. Mi acercamiento a lo que pinto es intuitivo, me interesa el aspecto primitivo y de sanación que tiene todo arte, es mi herramienta para tender el puente hacia el otro.

La mayoría de sus pinturas son retratos, ¿Qué es lo que te atraes a la pintura retrato?

Me gusta pensar que cada cara es un paisaje.

¡Re buena la respuesta! ¿Podes ampliarla un poco más? ¿Qué es lo que ves en la cara?

Uno puede observar y adivinar las combinaciones increíbles que se tuvieron que dar de generación en generación.

Si bien estamos hablando del ´paisaje´, vos me dijiste que has viajado a Chile un par de veces, ¿has tomado algún otro gran viaje? ¿Qué tan importante es el viaje a su crecimiento como un artista, ósea como un ser humano? ¿Qué es lo que quitas de tus viajes?

El viaje a Chile fue el primero largo que hice, la primera vez que fui estuve casi por cinco meses, allí pinté, aprendí un montón e hice un montón de amigos nuevos. Hace poco volví a Santiago a exponer en la pequeña galería de un amigo que también es artista de No Definitivo. Ahora estoy planeando un viaje a Perú, mi idea es organizar alguna muestra en la ciudad y luego partir a la selva, es algo que estoy planeando hace rato. Viajar esta buenísimo, amplia las fronteras de tu mente, y llegas cargado de muchas imágenes preciosas para pintar!!!

Recién publicamos una crítica de la exhibición del artista Uruguayo Agustín Sabella. Su obra se compone de referencias recicladas a Warhol y el arte pop estadounidense, con la idea de que todos nuestros pensamientos son referencias a referencias a referencias, que para ser verdaderamente autentico es imposible, ¿estás de acuerdo con la teoría? ¿Te parece que es difícil crear una obra realmente original?

Bueno, yo creo que hay gente que vibra con algunas cosas, otras con otras cosas, en tanto seas fiel a tu naturaleza, todo va a marchar bien. A veces la cita constante es un lugar cómodo en el que no terminas de lanzarte a la pileta, valoro mucho los artistas que trabajan a corazón descubierto, cuando hay autenticidad se funden las nociones de artista y espectador como cosas separadas, la obra funciona como paisaje común en el que uno se puede aventurar y explorar.

Te lo pregunto porque en su pintura “Caliventura” me acordé de Frida Kahlo enseguida,  ¿la estoy interpretando mal? ¿O fue intencional?

Bueno lo de Frida me pasa muy seguido, me lo han dicho varias personas. Me gusta su obra pero no soy un profunda admiradora, debe haber algún nexo que me une a ella y escapa a mi comprensión!!! No tengo siquiera un libro donde mirar sus pinturas! Les traje mi caliventura se trata en realidad de un retrato de hombre, aunque acepto que es verdad que los personajes son bien ambiguos, y visto a la distancia yo creo que ilustra muy bien el miedo que estaba sintiendo en ese momento ya que estaba por pasar una operación muy seria de la vista y tenia realmente mucho miedo!!!

Si bien estamos hablando de referencias, ¿qué es lo que te ha influenciado como artista?

El pintor y arquitecto Hundertwasser que era realmente una ternura, los pintores chilenos Nicolás Manning Mora y Michael Yaikel, toda la artesanía de Bolivia y Perú, la muestra de pintores peruanos Poder Verde que se hizo hace unos a los en el C.C. España. También Cotelito y Ana Montecucco, ambos artistas argentinos.

Lo que se nota inmediatamente en su pintura son los colores. ¿Cómo elegís tu paleta de colores?

La elección es intuitiva, un color lleva a elegir otro color y así sucesivamente, un color pide otro que lo complemente o lo potencie y así se compone la paleta de pura intuición, no hay boceto previo.

¿Existe una relación entre los colores y lo que te gustaría expresar en cada cuadro?

Me gusta trabajar los colores como notas musicales que afectan distintos puntos del cuerpo o el espíritu.

¿Puedes llevarme a través del proceso de creación de una pintura? ¿Qué emociones  sentís? ¿ pintas libremente o está más estructurado? Donde pintas? Estas sola, escuchando música, por noche o mañana, cuentame...

Por lo general si estoy trabajando en alguna pintura salto de la cama, me hago un té y pinto durante todo el día, es un estado en que se pone el cuerpo y la mente que no se parece a ningún otro. Pinto en mi habitación…..todo lo que me rodea me sirve de estimulo, tengo una ventana llena de cactus que me gusta mirar y muchos colores en las paredes que me animan a trabajar, a veces suena mi música y a veces la de los vecinos, casi siempre cumbia o simplemente  discusiones, son gente muy ruidosa!

¿Cómo se elige un tema y una persona dentro de una pintura?

El sujeto y el tema me eligen a mí y yo los retrato con gusto. Con el tiempo me doy cuenta de que Pueden hacerse dobles lecturas, por un lado cuestan una historia personal y al mismo tiempo son temas universales, la historia del mundo y los submundos.

¿Cuál fue la inspiración detrás de la serie de peces que has pintado?

Yo creo que la inspiración, fue la sensación de nuevas estructuras empujando a las viejas, el primer finchibiul es el de Les traje mi caliventura, podríamos decir que no es tan dócil como los que vinieron, ya que es el encargado de ahuyentar la vieja tradición para darle lugar al nuevo paisaje.

También diseñas carteras, ¿cómo empezaste con eso? ¿Lo haces para un negocio, o es un proyecto personal?

Si, diseño carteras, buzos y remeras, cada diseño es único. Solía tenerlas en negocios pero ahora las vendo por Internet.

Que ves en tu futuro? Vas a pintar para siempre?

Cuando pienso en mi futuro me imagino subiendo por una gigantesca planta de frijoles mágicos.

 

No le pierde a su primera sola exhibición en el CC Recoleta desde el 2 de Septiembre hasta el 4 de Octubre. Para ver m­ás obras de Duró clickea aca.